VENEZIA 73: UNA MOSTRA DA CAPOGIRO!

di Matteo Marescalco

Dopo anni di parziale anonimato e di improvvise quanto brevi epifanie, finalmente la Mostra del Cinema di Venezia, giunta alla sua 73esima edizione, ha tirato fuori gli artigli. Il direttore artistico Alberto Barbera ed il presidente della Biennale Paolo Baratta hanno presentato questa mattina a Roma il programma ufficiale della kermesse che avrà inizio il 31 Agosto e che, sulla carta, sembra una delle più potenti delle ultime edizioni.

L'apertura è dinamitarda con La La Land di Damien Chazelle, musical su ambizioni e successo con Emma Stone e Ryan Gosling. Ad arricchire il Concorso Ufficiale sono Tom Ford con Nocturnal Animals, noir metropolitano con Jake Gyllenhaal (che ritorna a Venezia dopo l'apertura dello scorso anno con Everest), Amy Adams e Michael Shannon. Per lo stilista americano si tratta di un dolce ritorno in laguna: il suo primo film da regista, A single man, aveva fruttato a Colin Firth la Coppa Volpi come Miglior Attore. Ampio spazio è dedicato al cinema americano. Altri autori attesi, infatti, sono Derek Cianfrance con The light betweens oceans, melodramma con Michael Fassbender e Alicia Vikander, Terrence Malick con il documentario Voyage of time narrato da Cate Blanchett e Denis Villeneuve con Arrival, sci-fi a metà tra Terrence Malick e Steven Spielberg (secondo le parole del direttore Barbera), lanciato dalla Mostra del Cinema con Incendies, presentato alle Giornate degli Autori nel 2010. A chiudere la selezione americana sono Pablo Larrain, autore del doloroso El club, che presenterà Jackie ed Ana Lily Amirpour con The bad batch che annovera Giovanni Ribisi, Jim Carrey e Keanu Reeves tra gli interpreti principali.

La compagine italiana in concorso sarà rappresentata da Piuma di Roan Johnson, che debutta alla Mostra del Cinema e che torna a parlare di giovani dopo Fino a qui tutto bene, presentato al Festival del Film di Roma, da Spira Mirabilis di Massimo D'Anolfi e Martina Parenti e da Questi giorni di Giuseppe Piccioni. 

A chiudere la selezione sono Lav Diaz con la sua ultima fluviale fatica, The woman who left, Andrei Konchalovsky, François Ozon, Emir Kusturica e Wim Wenders.

Passando al Fuori Concorso, l'attenzione è immediatamente calamitata dal documentario di Andrew Dominik su Nick Cave: One more time with feeling. Antoine Fuqua presenta I magnifici sette, in apertura al Festival di Toronto, Mel Gibson porta il suo ultimo Hacksaw Ridge e Kim Jee Woon sbarca al Lido con The age of shadows. Tra gli altri film presentati, anche un documentario di Francesco Munzi, Monte di Amir Naderi, Tommaso di Kim Rossi Stuart, il documentario Safari di Ulrich Seidl e l'evento HBO The Young Pope, serie tv diretta da Paolo Sorrentino con Jude Law, Diane Keaton, Silvio Orlando e Javier Camara.  

Nell'ambito della nuova sezione Cinema nel Giardino, inaugurata quest'anno sulle spoglie del vecchio buco del Casinò che minava la reputazione internazionale della Mostra, saranno presentati L'estate addosso di Gabriele Muccino, In dubious battle di James Franco, The net di Kim Ki-Duk e The secret life of pets.

Tra i Film Classici restaurati, segnaliamo Manhattan di Woody Allen, Zombi di George Romero (la cui proiezione sarà presentata da Nicolas Winding Refn e Dario Argento), I sette samurai di Akira Kurosawa, Un lupo mannaro americano a Londra di John Landis, Stalker di Andrej Tarkovskij ed il documentario David Lynch The Art Life.

Questa 73esima edizione, senza dubbio, colpisce per il suo carattere onnivoro: spazia, infatti, tra svariati generi, grandi autori affermati, registi che negli ultimi anni hanno portato avanti un interessante lavoro sulle forme visive e film mainstream rivolti al grande pubblico. L'evoluzione di prospettive, rispetto agli anni scorsi, è netta. Desta qualche interrogativo l'inserimento in concorso di Emir Kusturica, che nel corso degli anni non è riuscito a rinnovarsi, e il coinvolgimento di una scadente compagine di asiatici. Resta il fatto che una tale commistione di qualità e quantità non si vedeva da parecchie edizioni. Adesso, non rimane altro da fare che sperare che le aspettative vengano soddisfatte!

GHOSTBUSTERS

di Matteo Marescalco

Negli ultimi anni, il grande cinema americano ha visto la più totale proliferazione di remake, reboot e spin-off, alla ricerca di modalità attraverso cui sfruttare quanto più possibile un marchio che è stato in grado, in passato, di fidelizzare un’ampia fetta di pubblico, e, al contempo, provando a scostarsi dal modello originario proponendone una rilettura o una destrutturazione del genere. Niente che faccia urlare al demonio per gli elevati standard di un’industria culturale che ha fatto delle copie differenziali il proprio modello creativo.

Tuttavia, schiere di puristi della creazione ex-novo si lamentano indignati per l’assenza di creatività che rischia di livella l’arte cinematografica. Tra i reboot più discussi degli ultimi anni si situa, senza dubbio, Ghostbusters di Paul Feig, inondato di critiche aprioristiche da milioni di sostenitori dell’originale del 1984 diretto da Ivan Reitman che, nel corso degli anni più rimpianti e nostalgicamente amati dalla cultura contemporanea, sanciva la definitiva legittimazione della comicità televisiva, trasformandola in avanguardia comica da grande schermo. I protagonisti del Saturday Night Live si apprestavano a sfornare un film che avrebbe segnato i decenni del cinema a venire, imponendosi come fenomeno di massa e dando vita a colossali sfruttamenti nell’ambito del merchandising. Rifarsi ad un evento culturale di tale portata che, nel corso degli anni, è riuscito anche ad affermarsi presso le nuove generazioni, non può essere visto di buon occhio dalla massa di persone che ha amato l’originale e che vede in questo prodotto di Paul Feig un tentativo di lucro su un simbolo imperituro.

Il primo capitolo di un ipotetico nuovo franchise (di seguito il resoconto della conferenza stampa romana) è costruito sulla base di un terzo episodio mai portato a termine ed è segnato dal tocco del regista inglese che, da Le amiche della sposa a Spy, ha riletto diversi generi attraverso la chiave della parodia. E questo Ghostbusters, fondamentalmente, è una parodia meta-narrativa che riflette sul dispiegarsi della sua storia, omaggiando il vecchio capitolo, e ponendo l’attenzione sui personaggi alienati che danno vita alle vicende. Il punto di forza risiede nei corpi da slapstick di Melissa McCarthy e di Kristen Wiig e nel rapido scambio di battute da commedia sofisticata. I primi due atti dell’impianto narrativo si scostano dall’episodio del 1984, risultando originali e dotati di vita propria. Peccato per un terzo atto che segue da vicino lo sviluppo del film con Bill Murray e Dan Aykroyd, rischiando di perdere l’originalità che contraddistingue tutta la prima parte. L’ultima mezz’ora si muove in modo eccessivo lungo il solco tracciato da Ivan Reitman.

Considerando il film come un mero omaggio videoludico ad un fenomeno culturale di portata mondiale da tenere in secondo piano, ne viene fuori una rispettabile commedia fantascientifica che intrattiene e che diverte, più semplice da accettare tenendo a bada i fantasmi scatenati a partire dal 1984.

GHOSTBUSTERS: LA CONFERENZA STAMPA

di Matteo Marescalco

Questa mattina, alla Casa del Cinema di Roma, si è tenuta la proiezione stampa di Ghostbusters e, a seguire, la conferenza con il regista Paul Feig, già noto per Le amiche della sposa, Corpi da reato e Spy. Con piglio da englishman, nonostante la nazionalità americana, Feig, battuta pronta ed ampio sorriso, ha risposto a tutte le domande, affrontando anche quelle sulle spinose difficoltà produttive incontrate nella realizzazione del film, reboot della versione del 1984 diretta da Ivan Reitman. Di seguito, il resoconto della conferenza.

Più che un film sugli acchiappafantasmi, ho trovato il suo Ghostbusters un film incentrato su geeks e freaks. Quindi, è stato mosso più da questo interesse che dal realizzare un remake del film originario?

Certo. Posso raccontare soltanto le storie che sono in grado di raccontare. Quelle con persone outsider e sminuite come protagoniste. Le protagoniste del film sono in grado di difendere la città dai fantasmi e, nonostante ciò, continuano ad essere definite pazze. Mi piaceva l’idea di queste persone che continuano a credere in qualcosa. Mi piace anche una di loro che, pur avendo visto un fantasma, si allontana da ciò perché è stanca di sentirsi definire pazza. Il mio obiettivo era di fare una commedia e non un film drammatico.

Dan Aykroyd voleva realizzare un sequel ma non trovava una produzione. Com’è andata la vicenda? Ci descrivi il percorso produttivo?

Dan è sempre stato il mio eroe comico. Sapevo che era in giro questo progetto e che non riusciva a decollare. Bill non ne voleva far parte. Quando Ivan mi ha proposto la regia, mi ha anche detto che Dan avrebbe fatto il produttore esecutivo e io ho continuato a chiedergli consigli sullo sviluppo della sceneggiatura. Lui è stato un grandissimo appoggio e sostegno. Ha partecipato alle proiezioni di prova e non lo ringrazierò mai abbastanza.

Lei è il portabandiera della commedia femminile. Cosa apportano le donne alla comicità? Cosa si trova in più nelle commedie al femminile? In una scena, si paragonano i fantasmi al terrorismo. Che i terroristi siano i nuovi fantasmi di oggi?

A me piace tanto lavorare con donne divertenti. Ce ne sono tantissime che magari non hanno avuto l’opportunità per mettersi in mostra. Anche nelle commedie vengono spesso poste al servizio degli uomini e non viene consentito loro di essere divertenti. Magari interpretano il ruolo di donne iper-perfettine, pesanti e fastidiose. La mia idea era quella di fare una commedia al femminile ma per tutti e non per sole donne. Nella commedia, alle donne non è stata data questa possibilità. Io vorrei che un uomo, vedendo il poster di una commedia al femminile, non pensasse che sia solo per donne ma per tutti. A volte, le commedie maschili tendono ad essere aggressive e questo non è il mio modo di lavorare. Mi piace la scienza, mi piace l’idea che un essere solo, solitario, con in mente dei piani negativi, possa sfruttare la scienza per riportare sulla Terra entità paranormali. Questo è pauroso. Mi piaceva l’idea che una persona isolata, sfruttando il proprio ingegno, potesse realizzare e portare avanti il casino che accade nel film.

Il film è dedicato ad Harold Ramis che non c’è più. Appaiono tutti i personaggi del film del 1984 tranne Rick Moranis. Come mai?

Gli abbiamo chiesto se lui volesse far parte del film ma ha rifiutato l’invito. Ha detto che non era interessato a partecipare. Questa sua risposta mi ha intristito molto. Per quanto riguarda Harold, abbiamo provato ad omaggiarlo. C’è suo figlio che appare nella scena del concerto rock. C’è anche la figlia col nipotino. Tutta la famiglia di Harold ha partecipato.

Racconti qualcosa su Sigourney Weaver e sugli altri personaggi che appaiono nel film?

Quando abbiamo completato la prima stesura della sceneggiatura, abbiamo avuto l’idea di coinvolgere alcuni attori del film di Ivan. Bill Murray interpreta il ruolo dello scettico. Ha detto che non voleva fare nulla. Poi gli abbiamo proposto questo cammeo e non ha accettato. Fino a pochi giorni prima della ripresa della sua scena, non sapevamo se sarebbe stato presente o meno. Non è una persona facile da inchiodare. Comunque, è stato un supporto fondamentale per il nostro progetto. Si è dimostrato entusiasta, ha detto che l’idea gli piaceva molto. Sigourney è stata entusiasta fin dal primo giorno. Avevamo scritto per lei un cammeo diverso da quello finale ma non era abbastanza di sostanza. Lo abbiamo modificato e lei lo ha trovato molto divertente.

Ci ha raccontato come sono nati i cammei dei protagonisti. Per quanto riguarda i caratteri delle donne protagoniste, quanto è stato scritto e quanto improvvisato?

Io scrivo il film e i personaggi e, dopo aver fatto il casting, i personaggi vengono modificati a seconda di ciò che gli attori vogliono fare. Ciò che conta è che risultino cuciti su misura.

Come spiega la pessima accoglienza del trailer su YouTube? Visti i numerosi film con eroine femminili, non si rischia di cadere nel cliché?

Credo che ci sia stata una campagna organizzata da quelli a cui non piaceva l’idea del film. Questo non vuol dire che non possa essere ben accolto. Il primo trailer è stato un primo sguardo, gli effetti speciali non erano nemmeno pronti. Il giudizio è stato eccessivo. Ciò detto, abbiamo mostrato il trailer in diversi cinema e l’accoglienza è stata nettamente migliore. Per quanto riguarda l’eccessiva presenza di eroine, non credo. Io parlo per Hollywood. I ruoli da protagonista femminile di qualità sono inferiori rispetto a quelli maschili. Si dovrebbe puntare alla parità, c’è ancora un grosso squilibrio. Spero si possa raggiungere una parità per avere il ruolo che ognuno merita.  

FANTASTICHERIE DI UN PASSEGGIATORE SOLITARIO

di Matteo Marescalco

«La scrittura riesce a parlare la lingua di Dio, e a consolarci dei nostri dolori. A questo servono i sogni, del resto. Anche quelli brutti. Soprattutto quelli brutti».

Un libro, un’ossessione e tre linee spazio-temporali differenti. Sono questi gli ingredienti fondamentali di Fantasticherie di un passeggiatore solitario, diretto da Paolo Gaudio, uscito nelle sale poche mesi fa e selezionato tra i lungometraggi in concorso alla quarta edizione del LatronicHorror, dopo aver già vinto svariati premi in festival internazionali italiani ed esteri. La storia si basa su un ardito intreccio tra tre epoche diverse: quella di uno scrittore alle prese con un demone intrappolato, con il fantasma della sua sposa e con un libro bigger than life che dà il titolo al film; di uno studente di filosofia nella Roma dei nostri giorni che trova nei suoi amati libri una fuga dalla mediocrità della vita quotidiana; e, infine, il contesto atemporale e in stop-motion del protagonista del libro. Il montaggio sfrutta sapientemente l’accostamento delle tre situazioni, spingendo lo spettatore a partecipare attivamente alla narrazione all’interno della quale, tra l’altro, è possibile anche mettere in atto un’ulteriore suddivisione. Sorge spontaneo, infatti, pensare che l’ambiente contemporaneo equivalga allo stato di veglia, mentre il racconto in stop-motion che vede protagonista il personaggio principale del romanzo sia da accostare allo stato del sonno (e del sogno).

Tra echi burtoniani ed omaggi ad Edgar Allan Poe e a Friedrich Nietzsche, Fantasticherie è un bel viaggio verso la terra dei sogni, che vorrebbe puntare alle viscere, attingendo ai sacri archetipi così fondamentali per ogni nucleo culturale, rielaborandoli ed omaggiandoli. In questo film c’è molto dell’infanzia dei nati tra gli anni ’80 e i ’90 che avranno la possibilità di compiere un’immersione in un mondo che, a tratti, ricorda anche la fantasia artigianale di Michel Gondry e della sua arte del sogno. E il faticoso esperimento di Gaudio funziona per questo, nonostante qualche forzatura di troppo a livello di scrittura e di recitazione. Per il modo in cui si sporca le mani trasformando i sogni in realtà, le ombre del cinematografo in oggetti reali. La paura in un viaggio-rito di iniziazione sul potere salvifico delle storie. Che coinvolge ed attrae il suo protagonista. Ma che, probabilmente, lo rende anche sua vittima. In attesa del bacio di una sposa («Grazie per avermi salvato la vita, Story») che possa continuare ad alimentare la sua imperitura fantasia.

THE CONJURING - IL CASO ENFIELD

di Egidio Matinata

Un film di James Wan. Con Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O’Connor, Madison Wolfe, Simon McBurney, Franka Potente. Horror, Drammatico. USA/UK. Durata: 133 minuti.

Ed Warren è inquadrato in primo piano e il suo volto occupa la metà sinistra dello schermo, il suo braccio sinistro tende all’indietro e in mano ha un ciondolo con un crocifisso; nella parte destra, fuori fuoco, una bambina forse posseduta siede su una poltrona logora, mentre attende di essere interrogata. Ed inizia a porre le domande, ma a rispondere non è la voce della bambina, bensì quella di un uomo vecchio; mentre l’interrogatorio va avanti la forma che occupa la parte destra, sempre fuori fuoco, inizia a mutare prima in modo impercettibile e poi man mano di più. La voce invece continua ad essere cupa e spaventosa.

In questa scena fondamentale ci sono tutti gli elementi che rendono questo film un grande film: la profonda conoscenza del genere horror, la consapevolezza cinematografica e il talento artistico che permette di poter innovare, creare nuove forme e soluzioni visive. James Wan si conferma sempre più come uno dei maestri dell’horror contemporaneo (tra i suoi lavori ci sono Saw, Dead Silence, Insidious e L’Evocazione), capace di creare saghe di successo dal punto di vista commerciale e che abbiano anche qualcosa da dire e soprattutto da mostrare ad un pubblico ferrato sul cinema di genere (e non solo). Ciò che convince fin da subito è la solidità della storia (anche se molto simile al primo capitolo) e dei personaggi, oltre alla ricostruzione del contesto sociale e dell’ambiente in cui ha luogo la vicenda. Vera Farmiga e Patrick Wilson tornano nel ruolo di Lorraine e Ed Warren che, in una delle loro più terrificanti indagini paranormali, si recano a Londra per aiutare una madre single che vive da sola con quattro bambini in una casa infestata da spiriti malvagi. Coniugando la storia dei Warren con la storia della famiglia colpita da questo male sovrannaturale, Wan e i suoi sceneggiatori riescono a non ripetersi ma a ricreare situazioni nuove in luoghi familiari. Ma soprattutto, come detto, i punti forti del film sono la caratterizzazione dei personaggi, l’intrecciarsi delle vicende personali con la storia principale, e la messa in scena. Oltre alla scena citata all’inizio ce ne sono almeno altre tre o quattro davvero straordinarie: senza entrare nel dettaglio una ha a che fare con una trasformazione, mentre un’altra (forse la migliore in assoluto) con un quadro.

The Conjuring-Il caso Enfield è un film impeccabile da ogni punto di vista. Anche la durata anomala per un prodotto del genere (2 ore e 13 minuti) non scalfisce minimamente la compattezza del prodotto, perché come ogni opera degna di questo nome riesce a muovere le leve delle emozioni. Paura e drammaticità si amalgamano alla perfezione, non mettendo da parte l’intrattenimento ma, anzi, valorizzandolo attraverso la forma. Questo è grande cinema.