TUTTI VOGLIONO QUALCOSA

di Matteo Marescalco

Chi non ha mai visto la trilogia dedicata a Jesse e Celine, giovane coppia conosciutasi a Vienna nel lontano 1995? Chi non ha vissuto le peripezie di quei due giovani tra le mani del destino, pedine danzanti tra le note del tempo? O ancora, allargando il discorso, chi non ha sognato di passare una notte insieme ad una ragazza sconosciuta e di poter trascorrere insieme a lei i migliori attimi della propria vita? In fondo, la vita è una questione di attimi che ci colgono al volo. Questo, Richard Linklater lo sa bene. Dopo aver assottigliato il confine tra vita e cinema, lo scultore del tempo ha realizzato la sua opera più ambiziosa, per la quale ha pedinato un ragazzo dal 2002 al 2013, epoca di grandi trasformazioni sociali e di immani cambiamenti cinematografici. E, guardando Boyhood, lo spettro di Antoine Doinel si aggira furtivo all’interno della nostra mente. Si ferma e ci fissa. Il movimento si blocca nel tempo e la stasi si protrae all’infinito. La vita è una questione di attimi, per l’appunto.

Da La vita è un sogno alla trilogia di Before, da Boyhood fino a quest’ultimo Tutti vogliono qualcosa, è chiaro che Richard Linklater non è semplicemente uno dei vari autori da etichettare sotto la targhetta “indie”. C’è qualcosa di più in ballo. Il minimalismo dei suoi film, spesso caratterizzati da lunghi piani sequenza, unito alla semplicità delle situazioni drammaturgiche, restituisce un’istantanea su momenti ben precisi che sembrano spesso appartenere ad un contesto onirico. Poco importa che si tratti di una storia d’amore vissuta a Parigi, a Vienna o in Grecia. O, ancora, degli ultimi giorni prima dell’inizio delle lezioni al college per un gruppo di giovani ragazzi. Linklater è sempre andato alla ricerca del tempo perduto, trattandolo come l’essenza stessa del suo fare cinema, pedinando i tempi morti che, solitamente, non contribuiscono allo sviluppo di un film tradizionale. Al di là delle costruzioni registiche tradizionali e, per l’appunto, come già detto, degli sviluppi drammaturgici semplificati (Boyhood è quanto più in linea con l’idea americana di coming-of-age possa esistere), resta un’acuta ricostruzione del tempo filtrato attraverso gli occhi dei suoi protagonisti che ne vivono il lento incedere anche attraverso lo sviluppo dei fenomeni mass-mediali.

Insomma, guai a chi etichetta Tutti vogliono qualcosa come l’ennesimo filmetto post-adolescenziale su ragazzotti che, a pochi giorni dal college, passano il tempo a fare sesso e ad ubriacarsi. Di questo viaggio alla ricerca di un mood che non esiste più rimane la purezza dello sguardo, la chiarezza del filtro, gli interrogativi sul futuro, con una certezza. La vita è sempre una questione di attimi. Da cui farsi depredare, da cogliere al volo e di cui essere assoluti protagonisti.

WARCRAFT - L'INIZIO

di Matteo Marescalco

Sorprendentemente, è diventato sempre più usuale andare al cinema a vedere blockbuster americani con aspettative piuttosto basse e restare pienamente soddisfatti, contrariamente anche alle più ottimistiche ipotesi. Negli anni 2000 il fantasy è un terreno che è stato ampiamente modellato dalla creatività visiva di Peter Jackson che ha trasposto sullo schermo la saga de Il Signore degli Anelli, tratta dai romanzi di J.R.R. Tolkien. Insomma, visti gli elevati risultati qualitativi raggiunti, è inevitabile che qualsiasi cineasta che voglia eventualmente dedicarsi a tale genere si misuri con quanto fatto da Jackson. Anche Duncan Jones, già autore di Moon e Source Code, nonché uno dei più interessanti volti nuovi nel panorama della fantascienza americana, ha pescato a piene mani dalle convenzioni del genere.

Appunto, il cinema di genere funziona perché è ben radicato nell’immaginario collettivo, è costruito a partire da basi solide e dedica profonda attenzione allo sviluppo della storia narrata. Poi, in modo particolare, Warcraft, nonostante l’inevitabile traslazione spaziale e temporale mutuata dai videogiochi della Blizzard, narra di mondi in contrasto, di patti, alleanze, violazioni di confini, di rituali, di cerimonie e di gruppi sociali. Quindi, la sensazione che il genere sia un filtro attraverso cui rileggere la realtà sociale attraverso personaggi stereotipati e convenzionali (evitando di considerare il lato negativo dei termini) è abbastanza palese.

Da una parte c’è il mondo morente degli orchi. Dall’altra, quello degli esseri umani. I primi decidono di invadere le terre popolate dai secondi, sfruttando un portale magico che collega i due scenari e guidati da un potentissimo stregone nutrito dal Vil, una magia oscura che corrompe con l’eccesso di potere che dona. La delineazione dei personaggi secondari (il Re, il Guardiano, il guerriero dall’animo focoso) rispetta completamente gli standard del genere fantasy e, probabilmente, è in questi che risiede il punto debole del film. L’arco narrativo di molti di loro non è pienamente soddisfacente, la loro evoluzione nella storia narrata non convince del tutto. Allo stesso modo, dispiace che Warcraft si ponga semplicemente come il primo episodio di quella che promette essere una nuova redditizia saga. Molte story-line secondarie sono mantenute aperte e la sensazione finale non è quella di quadratura del cerchio, lo spettatore avverte una certa insoddisfazione complessiva.

Peccato, perché, come detto, il film di Duncan Jones funziona sul versante visivo, nella piena commistione tra analogico e digitale e nella gestione della CGI, invadente ma mai fastidiosa. Il mondo di Warcraft è una sorta di Pandora, una terra schiusa dalle tecnologie digitali, che mostra il proprio lato più irreale ma che non dimentica mai l’essere umano e l’ossatura basata su un solido racconto. Jones ha, più o meno, messo in riga tutte le carte giuste per la creazione di una nuova mitologia. Non ci resta che attendere i prossimi episodi e sperare in una gestione dei personaggi più adeguata.

MARGUERITE E JULIEN-LA LEGGENDA DEGLI AMANTI IMPOSSIBILI

di Egidio Matinata

Un film di Valerie Donzelli. Con Anais Demoustier, Jeremie Elkaim. Scritto da Donzelli, Elkaim e Guault. Genere: drammatico, fantastico. Francia 2016. Durata: 103 minuti.

Julien e Marguerite de Ravalet, figli del Signore di Tourlaville, si amano teneramente fin da bambini. Diventati adulti, il loro affetto si trasforma in irrefrenabile passione. Scandalizzata dal loro legame, la comunità di Tourlaville inizia a dare la caccia ai due fratelli che, incapaci di resistere ai loro sentimenti, decidono di fuggire.

Se c’è una cosa davvero imperdonabile nel cinema, ma anche nella letteratura e nella musica, è la noia. Soprattutto se poi la si intende come un qualcosa di elevato, come un elemento che denota una certa superiorità che può essere intercettata da pochi; ed è giusto puntualizzare che la noia non ha minimamente a che fare con la lentezza. Ogni film, infatti, ha un ritmo interno che va rispettato. Barry Lyndon non può essere girato e montato come Mad Max: Fury Road (e viceversa) e la ragione naturalmente non sta né dall’una né dall’altra parte. Entrambi i film sono realizzati esattamente nel modo in cui andavano fatti.

Purtroppo non è solo la noia il problema del film di Valerie Donzelli, regista francese arrivata al suo quarto lungometraggio. Il primo elemento che si percepisce è la distanza abissale che separa il pubblico dai protagonisti; neanche per un momento si riesce a identificarsi con i due protagonisti, ispirati a due persone realmente esistite (la sceneggiatura di Jean Gruault era passata tra le mani di François Truffaut che però non la traspose mai). Anche la cornice della storia, in cui, in un orfanotrofio, delle ragazze si raccontano di notte la vicenda di questi due amanti leggendari, risulta essere una linea narrativa incompiuta e, in fin dei conti, un espediente narrativo inutile.

Eppure, il film presentava dei notevoli spunti di grande interesse, primo tra tutti il tema della distruzione di un’intera famiglia in un mondo totalmente inventato nel quale confluiscono elementi dell’Ottocento e della contemporaneità (e infatti, come ha dichiarato la regista, la sua intenzione era di girare un film in costume; una storia ambientata nel passato, ma che ho immaginato come un film di fantascienza).

L’intenzione era di creare un film di una certa larghezza, con una dimensione di fantasia, di inventare

un mondo, partendo però da elementi reali: il castello, la famiglia Ravalet e i fatti storici. Peccato che nulla di tutto ciò trovi una sua compiutezza realizzativa. Tutto rimane fermo ai blocchi di partenza, nessuno di questi elementi viene sviluppato davvero; ed è un peccato perché Donzelli dimostra in più occasioni di avere uno sguardo originale e consapevole, di saper creare delle scene molto suggestive, soprattutto negli esterni, quando la macchina da presa sembra essere libera da qualunque vincolo, non come nelle terribili, statiche, infinite scene negli interni.

Marguerite et Julien è un film per niente riuscito, goffo e senz’anima, che non riesce a scalfire minimamente le emozioni dello spettatore. Sono davvero poche le cose da salvare, tra cui i due minuti finali in cui dei versi di Walt Whitman accompagnano delle bellissime immagini. Quella è l’unica sequenza davvero azzeccata del film.

JULIETA

di Matteo Marescalco

Pedro Almodovar è uno di quei registi che, nel corso dei decenni, a causa delle proprie scelte stilistiche fortemente autoriali, è riuscito ad affermarsi come brand. Non stupisce, quindi, sentire il brusio del pubblico quando la scritta El Deseo presenta appare sullo schermo. Si accorre in sala per il nuovo dramma di Almodovar, sapendo già che ci troveremo a che fare con destino, figure femminili dalla spiccata sensualità e forza d’animo, uomini che si fanno divorare dagli istinti carnali e, soprattutto, apparati scenografici dai colori saturi ed eccentrici. Dopo l’acida stoccata de Gli amanti passeggeri, il regista spagnolo torna sullo schermo con Julieta, tratto da tre racconti di Alice Munro, Fatalità, Fra poco e Silenzio, condensati per partorire una quarta creatura che racchiude in sé tutte le ossessioni di Almodovar.

Dopo la pausa del precedente film-divertissement, Julieta sembra rispondere ad un quesito che molti aficionados del regista si sono posti: che fine hanno fatto le tanto amate donne di Almodovar? Julieta le rappresenta. Ha incontrato uno sconosciuto su un treno e in questo non-luogo ha avuto un rapporto sessuale con lui. I due hanno avuto una figlia, Antìa, che, dopo la perdita del padre, ha affrontato la depressione della madre. Fino al compimento dei diciotto anni di età. Improvvisamente, il giorno del suo compleanno, abbandona la madre senza alcuna spiegazione. Julieta, scrivendo i ricordi, china sulla scrivania di casa sua, apre le sue emozioni allo spettatore che è preso per mano e condotto nel suo passato, segnato, fin dall’inizio, da un oscuro destino, dai tratti lynchiani.

E noi con lei intraprendiamo un viaggio nel cinema del regista, a bordo di un treno dai colori sgargianti e dalle forme geometriche. Il melodramma ed il thriller si intrecciano nel labirinto di passioni che è lo stile filmico di Almodovar. E via con le figure che sembrano marionette tra le mani del Caso, vittime dei drammi più sfrenati ed eccessivi, di tragedie che trovano la loro terra natia nelle zone costiere, aree mediterranee così prodighe di leggende e di racconti mitici. La più cara amica di Julieta è Ava, scultrice che crea figure in terracotta raffiguranti uomini nudi seduti. Julieta insegna letteratura classica e ama guardare Ava plasmare queste figure, creandole dal nulla, con l’ausilio dell’argilla e del fuoco delle passioni, allo stesso modo in cui gli dei hanno creato l’uomo e gli altri esseri umani.

Il problema è che, oltre all’idea del viaggio all’interno del proprio cinema, c’è ben poco di interessante in Julieta, le cui passioni ed emozioni si perdono come lacrime nella pioggia. Nonostante la tentata sincerità, la stilizzazione totale raffredda i sentimenti, raggiungendo il risultato di un’opera d’arte che ha eccessivamente sublimato la passione e la trasgressione di cui vorrebbe essere foriera. La deflagrazione non arriva ma resta vittima della cappa di colori e di geometrie cui viene inevitabilmente condannata dal suo autore.

ALICE ATTRAVERSO LO SPECCHIO

di Emanuele Paglialonga

Nel lontano 2010, nelle sale di tutto il mondo imperversava un film di Tim Burton con Johnny Depp: era Alice in Wonderland. Incassò più di 1 miliardo di dollari in tutti il mondo e 30 milioni di euro sul suolo italico. Un prodotto che, forte del 3D, che allora dominava l'universo cinematografico, aveva però diviso critici e pubblico.
Ciononostante, sei anni dopo la Disney ci riprova. Un altro live-action, ma stavolta non un remake dell’originale prodotto d'animazione: trattasi di un sequel che si rifà ancora una volta a Lewis Carroll, al romanzo, per la precisione, Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò.

Il film che si appresta ad arrivare nelle sale in questi giorni è Alice attraverso lo specchio. C’è ancora Johnny Depp, c’è ancora Mia Wasikowska e c’è ancora  Helena Bonham Carter, ma il regista non è più Tim Burton: il suo posto l’ha preso James Bobin, autore dei due film sui Muppets, del 2011 e del 2014.

Alice è cresciuta e all’inizio della storia la si vede solcare i sette mari: è diventata capitano, ha ereditato la nave del padre ed è partita a esplorare il mondo. Tornata a casa, le toccherà fare i conti con una realtà dura, con delle scelte piuttosto importanti da prendere a proposito del suo futuro.
Futuro. Tempo. Sono parole e concetti che nel film ritornano abbondantemente,  prendono vita, e hanno un colpo e un volto: quello di Sacha Baron Cohen, new entry rispetto al precedente del 2010, che qui interpreta, appunto, Il Tempo. E sì perché, Alice ritrova il Brucaliffo, che forse ha cambiato forma, e attraversa uno specchio al di là del quale ritroverà tutti i suoi vecchi compagni di giochi. Compreso il Cappellaio, che è però molto depresso, perché vuole sapere cos’è davvero successo alla sua famiglia, di cui ha perso le tracce, e per questo chiede ad Alice di occuparsene. E per farsi carico di questo compito, la giovane dovrà tornare nel passato, con o senza il consenso del Tempo, ma sicuramente con un oggetto molto importante: la cronosfera, che le permetterà appunto di compiere il viaggio.
Il Tempo la ammonisce, le dice che il passato non si può cambiare, ma che comunque da esso si può imparare. Una lezione di vita che la giovane apprenderà solo in un secondo momento.

Anche per questo sequel/prequel gli effetti speciali non mancano, le sequenze del mare del tempo sono piuttosto affascinanti: ciò che rende debole il film è, tuttavia, uno script non eccessivamente sicuro di sé, che dipana una storia neanche troppo anticonvenzionale, e che, soprattutto, non coglie al balzo la palla, anzi, la cronosfera, per restare in tema, di un argomento che è centrale all’interno dell’opera, quella del tempo, che avrebbe potuto essere sfruttato molto di più da un punto di vista filosofico e sul piano emozionale. La prova di Cohen è più che buona, a dimostrazione che i comici sono anche, nove volte su dieci, grandi attori, e se si ha talento si può passare da Grimsby a questo senza neanche troppa difficoltà.
Chissà quanto riuscirà a portare a casa, chissà se i prossimi live action della Disney saranno migliori di questo (Il libro della giungla uscito un paio di mesi fa lo è senza ombra di dubbio), e chissà come sarà il Dumbo di Tim Burton. Senza una cronosfera a portata di mano, bisognerà aspettare che passino mesi o forse anni.