THE NICE GUYS

di Egidio Matinata

Un film di Shane Black. Con Russell Crowe, Ryan Gosling, Angourie Rice, Matt Bomer, Margaret Qualley, Kim Basinger. Commedia, azione, thriller. USA 2016. Durata: 116 minuti.

The Nice Guys è un film divertentissimo; si, è una cosa molto banale da dire, ma è certamente un giudizio vero e sincero (spesso il vero e il banale coincidono). Si esce dal cinema con il sorriso in volto dopo essere stati sballottati su queste montagne russe per quasi due ore e si avrebbe voglia di continuare a seguire le avventure dei personaggi che hai appena abbandonato.

La strana coppia di protagonisti che guida questa folle carovana è composta da Jackson Healy (Russel Crowe), picchiatore su commissione, e Holland March (Ryan Gosling), un goffo detective privato. Si ritrovano in questa Los Angeles degli anni ’70 (libertina, stravagante decisamente trendy, ma anche “marcia", dove lo smog ricopre tutto come una crosta e in cui Hollywood Boulevard è diventata un "letamaio di pornografia”) per risolvere il caso di una ragazza scomparsa e la morte di una porno star che apparentemente non sembrerebbero collegate, ma che in realtà nasconde una cospirazione molto più grande di quanto possano pensare.

Rispetto a quanto si potrebbe pensare, il film si appoggia certamente sulle spalle dei suoi due ottimi interpreti, ma prima ancora è una sorta di reinterpretazione/rilettura/parodia della letteratura hard-boiled e del cinema noir e poliziesco. Volendo, potremmo dire che il film di Shane Black è un coktail di Ellroy (anche se effettivamente non si tratta di uno scrittore hard-boiled) e Il Grande Lebowsky, il tutto agitato nello shaker del buddy-movie. Nella struttura si avvicina molto (ma senza aderirvi mai fino in fondo) al poliziesco e al noir, lasciando allo spettatore la sensazione di essere sempre un passo indietro rispetto all’evoluzione della storia e rispetto a ciò che sanno (o pensano di sapere) i protagonisti. Così, man mano che la trama si dipana, gli indizi vanno al loro posto e i casi iniziano ad assumere una forma e una logica, iniziamo a conoscere sempre di più il passato, i dettagli e le sfumature dei protagonisti. Merito di Black e del suo co-sceneggiatore Anthony Bagarozzi è anche quello di impostare l’azione (non intesa come scene d’azione) tanto sul piano verbale quanto su quello fisico; il relazionarsi di Healy e March, sia tra loro che con gli altri personaggi, è efficace nei dialoghi ma anche nei momenti di scontro fisico, in cui sentiamo ogni tonfo, ogni scontro e ogni colpo, a volte anche eccessivamente (alla Bud Spencer e Terence Hill). Ma questo eccedere non dà mai fastidio, anche se il registro del film non è improntato esclusivamente nell’andare sopra le righe; c’è anche una vena drammatica, molto lieve e ben calibrata che agisce sullo sfondo.

The Nice Guys è grande cinema di intrattenimento, leggero e divertente, ma solo all’apparenza senza pretese. Nel cast spicca la bravissima e giovanissima Angourie Rice (si, a volte sugli attori bambini si prendono abbagli enormi, ma in questo caso è davvero impossibile non vederne la bravura), oltre a Crowe e Gosling, coppia inedita di eroi fuori dagli schemi e anche maledettamente idioti, che, come in tutte le grandi storie, cambiano rimanendo sostanzialmente gli stessi, in un’avventura ironica, assurda e spensierata.

Scritto e pubblicato per: http://sensidicinema.blogspot.it/2016/05/the-nice-guys-un-film-da-montagne-russe.html

LA PAZZA GIOIA

di Emanuele Paglialonga

Dopo essere stato applaudito a Cannes, nella sezione della Quinzaine des Réalisateurs, a tre anni da Il capitale umano, Paolo Virzì torna nelle sale: uscirà in 400 copie, infatti, a partire dal 17 maggio, il suo ultimo lavoro, La pazza gioia.
Protagoniste del film, Valeria Bruni Tedeschi e Micaela Ramazzotti. La prima interpreta Beatrice Morandini Valdirana, sedicente contessa e chiacchierona; la seconda è invece Donatella Morelli, giovane donna, fragile e silenziosa. In comune hanno il fatto di essere entrambe ospiti di una struttura terapeutica per donne con disturbi mentali, sottoposte a misure di sicurezza.
Un bel giorno, di ritorno assieme alle altre pazienti, Donatella e Beatrice decidono di scappare: prendono il primo autobus che passa loro di fronte e danno inizio alla loro avventura. Si daranno, come dice la stessa Beatrice a un certo punto, alla pazza gioia.

Coadiuvato alla sceneggiatura da Francesca Archibugi, Virzì passa dai toni cupi e duri de Il capitale umano  a quelli colorati e sgargianti de La pazza gioia; da un nord-est Italia nuvoloso, freddo, notturno, a una Toscana calda e assolata. La genesi del film il regista la racconta in un interessante aneddoto:
-Il primissimo spunto per fare questo film nasce da un’immagine di loro due (Bruni Tedeschi e Ramazzotti, ndr) che camminano tra l’erba, il fango e la neve, che ho spiato da lontano. Eravamo sul set de Il capitale umano e Micaela era venuta in visita, il giorno del mio compleanno. Stavo girando l’ultimo ciak, prima di pausa, di una scena tra Bentivoglio e Gifuni. E vedo appunto, laggiù nell’area camper degli attori e della produzione, Valeria che conduceva Micaela verso il tendone del catering, la prima con addosso una specie di gualdrappa per coprirsi dal freddo sopra l’elegante e dorato abito di scena del personaggio, zampettando sui tacchi, mentre l’altra le arrancava dietro, con un misto, mi sembrava, di fiducia e di sgomento. E ad un certo punto, siccome il terreno era impervio e zuppo di neve sciolta, Valeria ha porto la mano a Micaela per aiutarla. In quel momento, ho avuto una voglia improvvisa di puntare la macchina da presa verso quelle due tipe interessanti, bellissime, buffe e forse un po’ matte, laggiù, trascurando la scena che stavo girando (non me ne vogliano Gifuni e Bentivoglio)-.

Il processo creativo dietro questo film, insomma, è senza dubbio interessante: è la prima volta che lui e la Archibugi collaborano insieme alla sceneggiatura di un film: amici da una vita, la seconda, nel suo ultimo Il nome del figlio ha addirittura filmato il parto vero della Ramazzotti, nella vita moglie di Virzì. Fino ad ora si erano “soltanto” aiutati e dati consigli l’un l’altro a proposito dei loro film. 
L’idea delle due donne che scappano e si danno alla pazza gioia, pur essendo un cliché, in questo film è stata declinata in maniera interessante: uno dei punti di forza della storia, infatti, è l’aver aggiunto il tema della malattia mentale delle due protagoniste, ed averlo trattato, soprattutto, con molto garbo. Virzì filma con grande sensibilità questi personaggi, diversi ma fragili, soli.
Attenzione però: la fuga delle due protagoniste non è descritta come fosse una favola. Il regista stesso, nella conferenza stampa a margine dell’anteprima romana diverse settimane prima di Cannes, ci ha tenuto a sottolineare che non era sua intenzione girare una favola, e che anzi molta cura ha speso per rendere più realismo possibile.

Non è una favola, quindi. E se non è una favola e si è voluti essere realisti, è realistico quello che succede alle due protagoniste nella seconda parte del film? Parrebbe più una falla di sceneggiatura, a questo punto: il film inizia, conosciamo Donatella e Beatrice, scappano, succedono un paio di cose non troppo eccezionali, e poi la fuga fugge a sua volta, si va verso altri lidi, a un certo punto si separano, poi una viene presa e l’altra no, poi ritornano insieme: c’è grande confusione sotto questo punto di vista.
Virzì apre sia la strada della fuga delle due protagonista, sia quella che affronta il tema della diversità e della pazzia, ma alla fine dei conti non decide da che parte stare. A Donatella e a Beatrice non capitano chissà quali avventure, quindi la fuga non prevale sui loro personaggi. Forse un po’ il contrario, ma neanche tanto. E può essere un bene, ma è più un’arma a doppio taglio.
Il grosso del film sta sulle spalle di Micaela Ramazzotti: alla sofferenza e alla back story del suo personaggio si crede e si prova empatia. Un po' meno per il personaggio della Bruni Tedeschi, non troppo diversa dalla Carla de Il capitale umano: qui è solo più pazza. Sul personaggio della Ramazzotti, invece, si è lavorato con maggiore attenzione: sul corpo tatuato e sulla voce: recita in toscano, come ne La prima cosa bella, pur essendo romana.
Forse stavolta, dopo l’estremo realismo de Il Capitale Umano, un po’ di favola in più avrebbe giovato. Sarà per prossima ispirazione.

MONEY MONSTER

di Emanuele Paglialonga

Sostenendo con la forza della ragione
che una bomba possa essere intelligente
le potresti domandare, poco prima dell’esplosione,
la descrizione di un tramonto, o se ha fatto già l’amore oppure no.

Così cantava Francesco di Giacomo, voce solista del Banco del Mutuo Soccorso in un brano, Bomba Intelligente, che non ha avuto in vita il tempo di completare, cosa che invece hanno provato a fare gli Elio e le Storie Tese, pubblicandola anche nel loro ultimo album, partendo proprio dal testo di di Giacomo e dall’arrangiamento musicale di Paolo Sentinelli. 
Ma che ha a che vedere un brano contenuto in Figgatta de Blanc con Money Monster, l’ultimo film di Jodie Foster presentato in anteprima al Festival di Cannes? La bomba, per l'appunto: quella contenuta in giubbotto che Kyle Budwell, un giovane e disperato interpretato da  Jack O'Connell fa indossare al conduttore televisivo ed esperto di finanza Lee Gates, George Clooney.

Seguendo i consigli di Gates, infatti, Budwell ha fatto un cattivo affare, investendo i suoi 60.000 dollari in una società che, da un giorno all’altro, si è ritrovata misteriosamente ad avere 800 milioni di buco, senza che nessuno, fra gli investitori o gli stessi addetti ai lavori, abbia capito niente. Così, presa la pistola e il giubbotto con l’esplosivo, Budwell irrompe nella trasmissione di Gates, Money Monster, minacciando di far saltare in aria il conduttore e tutto lo studio se non otterrà una risposta su quale fine abbiano fatto i suoi soldi e quelli di tutti gli investitori e perché. Tutto questo, in diretta televisiva. Gates dovrà gestire quindi questa delicata situazione, coadiuvato dai preziosi consigli che la regista della trasmissione, Julia Roberts, gli fornirà nel corso della vicenda.

Un primo punto, importante: Budwell non rivuole indietro i suoi soldi. Sa di non uscire con le proprie gambe dalla situazione in cui si è andato a infilare. Vuole solo venire a conoscenza della ragione di quel buco. Tutti giustificano infatti l’improvvisa perdita del capitale con un tecnicismo, glitch, riguardante il malfunzionamento di un algoritmo che la società in questione utilizzava, che a ben vedere nessuno era stato in grado di spiegare.

E si ritorna a di Giacomo: può una bomba essere intelligente? E un algoritmo? Entrambi, evidentemente, non godono di vita propria: tutto dipende dall’utilizzo che ne viene fatto da parte degli uomini. Dell’impronta umana, come si dice a un certo punto, a proposito delle tracce che si lasciano anche in un sistema all’apparenza così evanescente e poco fisico come quello della finanza e della rete in genere. E lo si spiega fin dall’inizio: oggi il denaro viaggia alla velocità della luce, attraverso sistemi e algoritmi. Solo che qualche volta, per la troppa velocità, è facile che si possa bucare una gomma.
Se La grande scommessa affrontava forse troppo tecnicamente il tema della crisi e delle speculazioni borsistiche, rendendosi di non facile o perlomeno non immediata comprensione, il film della Foster va dritto al cuore del problema senza perdersi troppo in chiacchiere: responsabili di sfaceli economici come quello del film sono quel pugno di ricchi e di potenti che tiene in scacco i destini del mondo, mentre il resto del pianeta rimane lì impalato a guardarsi scippare il futuro da sotto gli occhi.

L’intelligenza degli sceneggiatori (Alan DiFiore, Jim Kouf e Jamie Linden) è stata di prendere questo contesto, questo ambiente, il mondo del secondo decennio del ventunesimo secolo, e di costruirci sopra un thriller ad alta tensione, in grado di catturare l’attenzione dello spettatore, sia, evidentemente, per la presenza di due star come Clooney e la Roberts, sia per delle tematiche bene o male comuni a tutti i cittadini del mondo, perlomeno occidentale, sia, infine, per uno stile di scrittura filmica agile, dinamico, moderno ma mai superficiale.
Il film si presenta infatti come un Truman Show dal sapore hitchcockiano, fluido, perfetto, potente, che commette però un grave errore nell’atto finale che fa precipitare il pathos e la suspense fino a quel momento creati. Una rivelazione arrivata anzitempo, infatti, anticipa l'apice del climax narrativo, finendo per indebolirlo.

A questo punto, è necessario fare un paio di riflessioni:
La prima è di carattere cinematografico: ancora una volta, dopo il recente Ave Cesare!, Clooney diventa un simbolo: nel film dei Coen, il suo allocco Baird Whitlock incarnava un Sistema, quello di Hollywood, che non doveva e non poteva fermarsi per nessuna ragione al mondo: un treno in corsa che nessuno aveva il diritto di arrestare.
Veniva preso a schiaffi Clooney, quando il suo Whitlock provava a riferire quello che aveva sentito dire da un gruppo di intellettuali comunisti: Mannix prendeva a schiaffi una Hollywood che è così e che non può permettersi il lusso di fermarsi a pensare ed eventualmente di modificarsi: una grande fabbrica di sogni e di emozioni è inevitabile che perda per strada qualche diritto.

In Money Monster il discorso è diverso: qui Clooney incarna lo show becero e misero di un capitalismo che ripropone ogni giorno il suo dominio attraverso i media e la rete. -Quanto vale la mia vita?- si domanda ad un certo punto, rivolgendosi ai telespettatori di tutto il mondo che potrebbero salvargli la pelle se solo decidessero di acquistare dei titoli per far risalire le quotazioni della società col buco da 800 milioni. Belloccio, gigione, cicisbeo, il suo Lee Gates prima che Budwell irrompa in studio è un’incosciente faccia da prendere a schiaffi, con cui però lo spettatore si troverà inevitabilmente a empatizzare.
Caricare di questi significati, o di altri neanche così dissimili come nel caso di Ave, Cesare!, la figura di un belloccio come Clooney è un discorso che sarebbe molto interessante portare avanti nei prossimi film in cui sarà impegnato.

La seconda riflessione il film la porta avanti sul versante antropologico, e qui la si può fare anche breve, per quanto pungente sia la questione, che riguarda tutti noi: Budwell avrebbe fatto quello che ha fatto se non avesse perso sessantamila dollari? Le manovre oscure in borsa ci sono sempre state. Quando portano buoni risultati, gli investitori stanno zitti, quando vanno male allora si ribellano.
Insomma: prendi George Clooney e Julia Roberts, rimettili insieme dopo la saga di Ocean’s Eleven e Confessioni di una mente pericolosa e separali per tutto il film (hanno solo due scene insieme, all’inizio e alla fine: il loro unico contatto è via auricolare), e otterrai...Money Monster: un ottimo film (nonostante un grosso difetto), una riflessione necessaria sui tempi moderni. Una bomba intelligente.

X-MEN - APOCALISSE

di Egidio Matinata

Un film di Bryan Singer. Con James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Oscar Isaac, Olivia Munn, Sophie Turner, Tye Sheridan, Evan Peters, Rose Byrne, Nicholas Hoult. Scritto da Simon Kinberg. USA 2016. Durata: 143 minuti.

Da quando hanno fatto la loro prima apparizione sugli schermi cinematografici, nel 2000, gli X-Men si sono imposti immediatamente come personaggi cardine dell’immaginario collettivo contemporaneo. La saga, tra le più longeve (anch’essa con alti e bassi), ha dalla sua certamente il merito di creare grande intrattenimento attraverso personaggi intriganti, una costruzione visiva potente e molti sottotesti che in realtà la fanno da padrone: primi tra tutti, l’accettazione di se stessi e degli altri.

Dopo il mezzo passo falso di Conflitto Finale (2006) di Brett Ratner, la saga è riuscita a rilanciarsi e rinnovarsi approfondendo i temi di cui parlavamo prima, le motivazioni e il passato dei personaggi, e introducendo nuovi attori scelti in maniera impeccabile, a partire dai due principali: Michael Fassbender (Magneto) e James McAvoy (Professor X). Questa seconda trilogia (per ora) comprende First Class (2011), Giorni di un Futuro Passato (2014) e, l’ultimo, Apocalisse (2016).

Anno 1983. L’invincibile e immortale Apocalisse viene liberato da un millenario sepolcro. Quando si rende conto che la sua razza non è più considerata divina, furioso, raduna una squadra di potenti mutanti, fra cui un sofferente Magneto, per distruggere l’umanità e creare un nuovo ordine mondiale su cui regnare. Per fermare le sue mire di distruzione globale, Raven (Jennifer Lawrence) e Professor X guidano una squadra di giovani X-Men in un epico scontro con un nemico apparentemente invincibile.

Da un film di tali dimensioni ci si aspetta sempre una costruzione visiva imponente e un uso massiccio di effetti speciali, cosa che accade ma nella giusta dose, e una costruzione credibile della psicologia e delle relazioni tra i personaggi. Tutto ciò avviene, grazie anche al ritorno (dopo il secondo capitolo di questa prequel-trilogy) di Bryan Singer dietro la macchina da presa: capace di creare sequenze ad alto tasso di spettacolarità ma anche di inquadrare i corpi dei suoi attori, sia donne che uomini, in maniera molto erotica. Questo film, ma sostanzialmente anche gli altri, mostrano quanto sia importante la coesione di questi due aspetti. Ma soprattutto, Apocalypse, dimostra che per gli X-Men funzionerebbe anche un film più “piccolo” (quanto potrebbe essere bello, interessante e intrigante un film ambientato esclusivamente nella scuola di Charles Xavier?!). Per tornare alla spettacolarità non si può non citare la sequenza di cui è protagonista Quicksilver, sulle note di Sweet Dreams, che è praticamente già cult. Tutte le new entry risultano all’altezza della situazione: da Oscar Isaac (ovviamente) a Sophie Turner, da Olivia Munn a Tye Sheridan.

Un’ultima riflessione si potrebbe fare sul concetto di catastrofe e di apocalisse, due temi ormai onnipresenti da diversi anni sulla scena cinematografica mondiale, ma soprattutto nei grandi blockbuster americani. Forse inconsciamente, e neanche così tanto, si ha la paura o il sentore che dietro l’angolo ci sia sempre un evento catastrofico ad attenderci. La risposta di questa saga (che potrebbe sembrare banale, ma non lo è affatto) è che la coesione, che sia essa tra mutanti o esseri umani, e la fiducia verso il prossimo, il diverso o colui che ci fa paura potrebbe essere l’unica ancora di salvezza. Riuscire a fare tutto ciò attraverso la fantascienza, l’azione e l’avventura significa fare grande intrattenimento e grande cinema.

THE BOY

di Egidio Matinata

Un film di William Brent Bell. Scritto da Stacey Menear. Con Lauren Cohan, Rupert Evans, Jim Norton, Diana Hardcastle. USA 2016. Durata: 97 minuti.

Alla ricerca di un nuovo inizio dopo un passato travagliato, una giovane donna americana si rifugia in un isolato villaggio inglese. E' qui che Greta (Lauren Cohan) viene assunta da una coppia di anziani genitori in una maestosa villa vittoriana per fare da babysitter al loro figlio di otto anni, Brahams. Ben presto Greta scoprirà che quel ragazzo altri non è che una bambola a grandezza naturale che i signori Heelshire trattano come un bambino vero. Tutto comincia ad incupirsi quando Greta, rimasta sola, ignora le rigide regole imposte dalla coppia e inizia un flirt con un ragazzo del villaggio, Malcolm (Rupert Evans). Una serie di eventi inquietanti e inspiegabili, ai limiti del soprannaturale, la condurranno a vivere un incubo ad occhi aperti.

The Boy si rifà ad un immaginario horror abbastanza classico: abbiamo il vecchio castello, una coppia stramba e vagamente inquietante di anziani, una giovane e bella ragazza che fugge da un’altra vita e una bambola (un potente elemento drammaturgico sempre ben sfruttato in questo genere: Dead Silence, La bambola assassina, L’Evocazione, per citarne alcuni). Inizia come un film di James Wan e finisce come un film di Shyamalan, questo The Boy. Ma, purtroppo, non riesce a raggiungere il risultato di ottimi, se non grandi, film come The Conjuring e il recente The Visit. La regia di William Brent Bell si adagia molto facilmente su schemi già collaudati e inquadrature già viste, e se il cinema racconta attraverso le immagini, la regia deve dare un qualcosa in più rispetto alle parole e al racconto. In questo caso una prima parte che dovrebbe inquietare e coinvolgere risulta banale e anche abbastanza noiosa. Procede in maniera “classica”, facendo succedere tutto ciò che ci aspettavamo dopo aver visto il trailer: la doccia, la soffitta, il quadro e, naturalmente, le regole da (non) seguire. Però poi il film migliora grazie soprattutto alla sceneggiatura di Stacey Menear che riesce a gestire bene personaggi, indizi, colpi di scena e, ancor di più, la fase della storia che riguarda il passato della protagonista (il “fantasma” di Cole, suo ex fidanzato, è quasi più spaventoso di quello che dovrebbe trovarsi nel vecchio castello). Ed è forse qui che risiede il punto di maggior interesse del film, come se volesse riportare l’attenzione, dopo una serie di inganni e distrazioni, alla vera natura delle nostre paure: quelle che scaturiscono dagli esseri umani.

Il problema, come nella maggior parte degli horror moderni sta in quelli che, in maniera molto banale, potremmo chiamare “spaventi facili” (ne avevamo già parlato nella recensione di quel grande film che è The Babadook). Nonostante ci siano alcune scene ben orchestrate e abbastanza inquietanti, si cade sempre troppo facilmente in una costruzione dello spavento momentaneo (anche in momenti in cui non ce ne sarebbe davvero bisogno) in cui la paura nasce e muore nell’arco di pochi secondi. Per fortuna un buon colpo di scena e un’ultima parte quadrata e riuscita salvano questo film (che parte come un horror sovrannaturale/psicologico e poi si evolve in una sorta di slasher) dall’essere uno dei tanti film dell’orrore odierni: ricchi di facili spaventi e poveri di sostanza.