MAGIC IN THE MOONLIGHT

di Matteo Marescalco

 

Anni '20. Sud della Francia. L'illusionista cinese Wei Ling Soo è uno dei più celebrati illusionisti della sua epoca, ma pochi sanno che sotto il suo costume si cela l'identità di Stanley Crawford (interpretato da Colin Firth), uno scorbutico ed arrogante inglese con un'elevata opinione di se stesso ed un'avversione nei confronti dei finti medium che dichiarano di essere in grado di realizzare magie. Convinto da un suo vecchio amico, accetta la proposta di smascherare la chiaroveggente Sophie Baker (interpretata da Emma Stone), impegnata a circuire una ricca famiglia in vacanza nella riviera francese. Crawford si presenta sotto le mentite spoglie di un uomo d'affari che accusa Sophie di essere una mistificatrice da quattro soldi. Ma, con grande sorpresa, la ragazza si esibisce in una serie di numeri di magia e di lettura della mente che lasciano sbigottito il gentleman inglese e che sfuggono a qualsiasi comprensione razionale. Crawford comincia a pensare che i poteri di Sophie siano veri. Se così fosse, Stanley si renderebbe conto che tutto sarebbe possibile e le sue solide convinzioni fisiche verrebbero a crollare.

Con l'incredibile media di 48 film realizzati in altrettanti anni, Woody Allen si conferma uno dei registi più prolifici del panorama cinematografico mondiale. Dopo aver ambientato il suo penultimo film, Blue Jasmine, nella sua cara New York che ha dato i natali, tra gli altri, a Manhattan e ad Io e Annie, Allen torna in Francia con una commedia romantica dal sapore agrodolce, incentrata sul mondo della magia. La cornice è, quindi, simile a quella di Midnight in Paris: la società della belle epoque pronta a godersi la vita dedicandosi al pettegolezzo e a questioni di poco conto.

Il personaggio protagonista è quanto di più alleniano possa esistere, un razionalista che cita Hobbes e Nietzsche e che pensa che la vita sia un'infinita sequela di eventi senza senso. Per lui, non c'è assolutamente spazio per la sorpresa. Centro focale del lungometraggio è il vecchio conflitto tra ragione e sentimento, realtà ed illusione.

Tra lunghe carrellate e piani sequenza fissi, dialoghi memorabili ed autoreferenziali e scambi al vetriolo, Woody Allen non perde occasione per autocitarsi e portare nuovamente in scena un personaggio che condensi tutte le sue idee pessimiste sulla vita. Questa volta, però, sembra esserci spazio per un lieto fine. 

Vale la pena abbandonarsi all'illusione dell'amore, consapevoli, tuttavia, che essa rappresenti soltanto un'illusione? Sembra essere questo il centro focale del film.

Alla direzione della fotografia torna il fedele Darius Khondji che illumina tiepidamente gli scenari della riviera francese ad alto tasso di romanticismo.

Magic in the Moonlight risulta essere vittima, tuttavia, della verbosa costruzione narrativa del suo regista e sceneggiatore: il film, infatti, alla lunga finisce per annoiare lo spettatore che si trova davanti, per l'ennesima volta, la solita sequela di idiosincrasie alleniane, qui trasformate in luoghi comuni. I personaggi stessi appaiono monodimensionali nei loro strambi cambi di comportamento senza un senso apparente.

L'impressione è quella di trovarsi davanti ad un autore narciso, vittima della propria cannibalistica magniloquenza creativa, la cui ultima opera svanisce come una bolla di sapone o ancor meglio, per restare in tema, come la conseguenza di un'illusione mal portata a termine.

SCEMO E PIU' SCEMO 2

di Matteo Marescalco

 

Jim Carrey e Jeff Daniels tornano a vestire i panni dei leggendari Loyd Christmas e Harry Dunne nel sequel del grande successo cinematografico che ha rappresentato al meglio e trasformato in cult la nuova commedia americana favorendone anche la svolta verso l'orizzonte demenziale: Scemo e più scemo 2.

I registi del film, i fratelli Peter e Bobby Farrelly (autori, tra gli altri, di Tutti pazzi per Mary), presentano le nuove avventure di Lloyd e Harry, che stavolta sono impegnati in un viaggio alla ricerca di una figlia che Harry non sapeva di avere.

Venti anni dopo aver lasciato i due protagonisti, tutto è cambiato. L'unica costante è la loro idiozia. Quando Harry, che ha bisogno di un trapianto di rene, scuote Lloyd dallo stato di totale apatia in cui è precipitato dopo essere stato lasciato da Mary, si mette in viaggio insieme a lui, per riuscire a trovare la figlia che, forse, potrebbe aiutarlo. Partendo dalla clinica in cui vivono, e attraversando il Paese a bordo di un carro funebre, i due arriveranno ad un summit in cui partecipano alcune tra le persone più intelligenti al mondo. Fino a quando non arrivano loro a sconvolgere la situazione.

Il primo episodio diretto dai fratelli Farrelly nel 1994 rappresenta un caso rilevante nella storia del cinema: con più di 300 milioni di dollari di introiti a livello mondiale, è diventato un trionfo indiscusso e viene ancora considerato un cult. L'effetto domino ha poi contribuito ad alimentare e a consolidare ulteriormente la fama del film. Ovviamente, quindi, le aspettative dei fan nei confronti di questo secondo episodio erano veramente elevate.

Se, tuttavia, in Scemo più scemo e in Tutti pazzi per Mary, le vette di volgarità erano sostenute alla base da un'ironia caustica e corrosiva che non si preoccupava di scagliarsi contro tutto e tutti, in Scemo e più scemo 2 non si può sostenere la stessa cosa. L'intero lungometraggio è retto da una serie di gag slapstick e screwball di dubbio gusto che si spengono con la fine delle singole sequenze. A dominare è la struttura dello sketch che prevale sulla costruzione di una narrazione attenta al suo sviluppo omogeneo.

Fa male vedere un attore del calibro di Jim Carrey, che ha dimostrato tutto il suo immane talento recitativo anche in alcuni film drammatici (Man on the moon, The Majestic, Eternal sunshine of the spotless mind, The Truman show), coinvolto in un progetto così “svogliato” e privo di particolari ragioni di interesse. Non basta tutta la sua strabordante carica ironica fisica per tenere alto il livello del film. 

L'ultimo lungometraggio dei Farrelly è piatto e poco riuscito, chiuso su un'ironia volgare ed eccessivamente demenziale che strappa soltanto sporadiche risate.

La sensazione è quella di aver assistito ad un triste spettacolo realizzato da attori e registi che hanno fatto grande il genere comico ma che, ora, appaiono parzialmente mummificati.

UN AMICO MOLTO SPECIALE

di Matteo Marescalco

 

E' la vigilia di Natale e Antoine, un bambino di sei anni, ha in mente una sola idea: incontrare Babbo Natale e fare un giro in slitta con lui tra le stelle. Così, quando Babbo Natale gli cade come per magia sul balcone, Antoine è troppo stupito per capire che sotto il classico costume rosso e bianco si nascone in realtà un ladro intento a svaligiare gli appartamenti dei quartieri alti. Nonostante tutti gli sforzi dell'improvvisato Babbo Natale per sbarazzarsi di Antoine, i due finiranno per formare un'improbabile coppia in giro per i tetti di Parigi, ognuno intento a realizzare il proprio sogno in una notte magica dove tutto può accadere.

Il terzo film del regista francese Alexandre Coffre è la tipica favola natalizia dai buoni sentimenti. La struttura narrativa è tradizionale e pone al centro del racconto le figure di due anime solitarie e sensibili che si incontrano e non possono fare altro che migliorare vicendevolmente. Il centro focale del lungometraggio è rappresentato dal misunderstanding del protagonista più piccolo: Antoine, infatti, scambia il personaggio interpretato dall'attore francese Tahar Rahim per il vero Babbo Natale, consentendo, quindi, allo spettatore di accostarsi alla vicenda dal suo punto di vista distorto.

Secondo quanto detto dal regista: “Un amico molto speciale è una commedia che gioca con la simbologia del Natale. Il ladro, manipolando Antoine, gioca con i codici del Natale, portando il bambino in un mondo incantato. Alla fine, l'adulto riparerà il suo passato e il bambino delineerà il suo avvenire”.

Come per Hugo di Martin Scorsese, anche il target di riferimento di Un amico molto speciale è incerto: il film potrebbe risultare, infatti, indigesto e noioso ai bambini e buonista ed eccessivamente lacrimevole agli adulti.

In genere, la sceneggiatura manifesta un'evidente povertà di trovate ironiche, concentrata com'è su un percorso diegetico incanalato sulla “retta via”.

Un amico molto speciale è stato prodotto dalla stessa coppia di produttori di Quasi amici, film che, pochi anni fa, ha fatto incetta di denaro ai botteghini francesi.

La struttura, più o meno è la stessa, ed entrambi i lungometraggi sono caratterizzati dalla presenza della coppia, in una specie di buddy movie europeo.

In definitiva, Un amico molto speciale non aggiunge nulla di nuovo al filone dei film natalizi e potrebbe rappresentare, solo in assenza di altro, la giusta scelta per un pomeriggio all'insegna dell'intrattenimento disimpegnato.

TRUE DETECTIVE

di Egidio Matinata

 

Scritto da Nic Pizzolatto, diretta da Cary Joji Fukunaga. Con Matthew McConaughey, Woody Harrelson, Michelle Monaghan, Michael Potts, Tory Kittles, Kevin Dunn, Alexandra Daddario. Drammatico, poliziesco. Durata: otto episodi da 60 minuti.

Negli ultimi anni il livello qualitativo delle serie tv è salito in maniera esponenziale, sanando il divario che le separava dal cinema. Il termine “artistico”, riferito ad un prodotto televisivo, era cosa rara (nonostante vi fossero illustri precursori come Twin Peaks e Ai confini della realtà, per citarne due). Diversi sono i motivi di questo cambiamento. Alla base c’è sicuramente il fatto che il format seriale facilita e allo stesso tempo espande le modalità di narrazione in un modo che il cinema non può fare; e permette di approfondire in modo più accurato la psicologia dei personaggi e il mondo che essi abitano. L’unione, poi, di un numero sempre crescente di spettatori, alla presenza di volti noti dell’industria cinematografica, sia interpreti che autori, ne ha sancito definitivamente il successo sul versante commerciale

True Detective rappresenta una delle vette più alte, degli ultimi anni e non solo, nell’ambito delle serie televisive. Scritta interamente da Nic Pizzolatto e diretta da Cary Joji Fukunaga, è andata in onda nel 2014 sul canale HBO, riscuotendo ampi consensi sia dalla critica che dal pubblico. Le vite dei detective Rust Cohle (Matthew McConaughey) e Marty Hart (Woody Harrelson) si intrecciano inesorabilmente nella lunga caccia a un serial killer in Louisiana, in un arco temporale di diciassette anni, dal 1995 al 2012, anno in cui il caso viene riaperto.

La serie racconta apparentemente la storia più vecchia del mondo: il Bene che combatte contro il Male. Ma lo fa in un modo diverso. Più reale, più cupo, più pessimista. Analizzando l’essere umano in tutte le sue sfaccettature e nel rapporto che ha col mondo in cui vive, ne porta a galla tutti gli aspetti che lo caratterizzano, i quali finiscono per risultare, nella maggior parte, negativi.                                          

“L’uomo è l’animale più crudele” recita una delle frasi promozionali della serie. Ed è proprio attraverso questa lente che l’essere umano viene messo a fuoco: come animale spinto da pulsioni primarie, come specie che si è evoluta eccessivamente, arrivando ad una consapevolezza maggiore di sé. Una consapevolezza, però, illusoria errata. 

Rust, cinico e pessimista, sembra essere l’unico personaggio ad avere accesso a questa verità e attraverso i suoi (fantastici) sproloqui filosofici, i grandi temi che caratterizzano l’esistenza di tutti vengono messi sotto esame e arrivano allo spettatore sotto una luce nuova. Una luce più nera che mai. L’evoluzione, la coscienza, la religione, l’amore, la vita e la morte diventano concetti effimeri. E  cedendo alla falsa speranza (o paura) creata da essi, si cede alla consapevolezza illusoria che caratterizza l’umanità. 

Marty fa parte sicuramente di questa categoria di persone. Personaggio meno complesso, rimane costante in tutto l’arco narrativo nella sua falsità di facciata. Padre di famiglia, marito fedele e bravo investigatore. Apparentemente. L’ipocrisia che lo caratterizza sarà alla base dello sfaldamento della sua famiglia e, in parte, del suo rapporto professionale con Rust.

Questi due uomini, così diversi tra loro, si ritrovano a combattere insieme non solo i loro demoni interiori, ma anche i demoni che si trovano appena fuori dalla nostra porta. Simboli di una malvagità pura, primordiale e, cosa ancora più spaventosa, umana. L’ambiente inquietante in cui si muovono i personaggi sembra permeato da un alone di malvagità costante: gli alberi, le case, le chiese abbandonate. Nonostante la serie sia avvolta da un alone surreale, l’orrore e la paura che si provano durante la visione risalgono a un’origine terrena, che risulta terrificante perché inspiegabile. Le due linee diegetiche, quella personale e professionale, vanno di pari passo durante le puntate, intrecciandosi vicendevolmente. Così come la stessa struttura della serie, che raggiunge la sua perfezione e la sua compattezza nell’andare avanti e indietro nel tempo, senza mai lasciare lo spettatore nella frammentarietà, ma portandolo, attraverso i flashback, ad una sensazione di omogeneità.

True Detective è un capolavoro sotto tutti i punti di vista. Stilisticamente è difficile trovargli degli eguali, anche in ambito cinematografico, sia per quanto riguarda la sceneggiatura che per la qualità prettamente tecnica. Molte scene sono già diventate cult, come il piano sequenza della quarta puntata. 

Gli attori riescono a dare vita a due personaggi che sono già entrati nell’immaginario collettivo. Ogni coppia di poliziotti che vedremo al cinema o in televisione nei prossimi anni dovrà reggere il confronto con loro.

Il finale, da molti accusato di scarsa coerenza con il tono generale della serie, può risultare ottimista solo ad un primo livello di lettura. La scena che si svolge al di fuori dell’ospedale non deve essere interpretata come un dantesco “uscimmo a riveder le stelle”. In quel momento i due personaggi, guardando verso il cielo, non vedono altro che un riflesso di ciò che succede sulla Terra. Il microcosmo e il macrocosmo si specchiano l’uno nell’altro e si riconoscono come simili. Una volta c’era solo l’oscurità. Ora la luce sta avanzando, ma il suo prevalere è ancora lontano.

STORIE PAZZESCHE

di Matteo Marescalco

 

Latin-American directors do it better!

«Le ineguaglianze, l'ingiustizia e le pressioni del mondo in cui viviamo generano stress e depressione in molte persone. Alcune, però, esplodono. Questo film parla di loro.

Vulnerabili di fronte a una realtà che cambia continuamente e che, improvvisamente, può diventare imprevedibile, i protagonisti di Storie pazzesche oltrepassano il sottile limen tra civiltà e barbarie. Il tradimento di un marito, il ritorno ad un passato sepolto e la violenza che si insinua negli incontri quotidiani, portano alla follia i personaggi del film, che si abbandonano all'innegabile piacere della perdita del controllo».

Un incipit così scoppiettante e folle non si vedeva al cinema dall'ultimo film di Alex de la Iglesia, Las Brujas de Zugarramurdi. Storie pazzesche si apre con una macro sequenza ambientata all'interno di un volo di linea. Tutti i passeggeri sono inquietantemente accomunati dall'amicizia con un tale Gabriel Pasternak. L'aereo ospita, tra gli altri, la sua ex ragazza, il suo migliore amico, il suo psichiatra, la sua maestra ai tempi delle scuole elementari e il docente universitario che ha bocciato la sua tesi in drammaturgia musicale. La risoluzione della vicenda è davvero esilarante.

Il riferimento a Gli amanti passeggeri di Pedro Almodovar (qui nel ruolo di produttore) è palese.

Partono i titoli di testa del film in cui i nomi degli interpreti compaiono su immagini di fiere selvagge. A tal proposito, il regista ha dichiarato: «Questa scelta non è assolutamente casuale. Spesso penso alla società capitalista occidentale come ad una specie di gabbia trasparente che ci rende insensibili e distorce i nostri rapporti con gli altri. Questo film racconta le storie di alcuni individui che vivono dentro questa gabbia senza esserne consapevoli. E quando arrivano al punto di rottura, anzichè reprimersi o deprimersi come facciamo quasi tutti, partono in quarta senza riuscire più a fermarsi».

Prodotto da Pedro Almodovar, Storie pazzesche è costruito sulla base di sei episodi grotteschi (caratterizzati da unità tematica ma non narrativa) che sfociano nel sangue e nella violenza: da una lite furiosa tra due automobilisti dai nervi facili che si conclude in modo tragicomico, a un ingegnere che si occupa di detonazioni e alle prese con la rimozione forzata della sua automobile, fino a una famiglia benestante che tenta di coprire il reato compiuto dal figlio attribuendo la colpa al giardiniere (i colpevoli son sempre i maggiordomi o i giardinieri!).

Il lungometraggio diretto da Damian Szifron porta in scena una serie di sketch che possono apparire come mere barzellette ma che, dietro la superficie del divertissment più scatenato, nascondono un'interessante riflessione sulla difficile situazione attuale dell'Argentina: corruzione, cinismo e caos burocratico sono gli ingredienti di questa piacevole pellicola, che ha nel surreale incipit il maggior punto di forza.

Con il procedere del lungometraggio, aumenta la durata dei singoli episodi che, dal terzo in poi, perdono l'immediatezza caratterizzante i primi due.

La denuncia del film è penalizzata dalla graduale prolissità delle storie raccontate e dalla perdita di mordente e di efficacia che trasformano in un gattino un lungometraggio che sarebbe potuto essere una feroce tigre.